Наши услуги
Опрос

Довольны ли Вы нашими услугами?

Показать результаты

Загрузка ... Загрузка ...

Новости

Самые свежие и актуальные новости фотографии и фотопечати. Новинки технологий и просто интересные подборки специально для вас на нашем ресурсе.

Фотография — такая же ценность, как и другие виды искусства.

Фотография связана с вопросом: является ли фотография искусством?  которому почти 180 лет. Конечно, происходящее из еще более старой загадки: что такое вообще искусство? Он предлагает множество ответов. Фотография всегда имела преимущество в форме фотоаппарата, и хотя художники и скульпторы используют гораздо более сложные техники, они также создают совершенно иную эстетику, и поэтому их работу не следует сравнивать с фотографированием. В то время как обычная цель фотографии — сохранить визуальные воспоминания, сопровождать новостные статьи или продать продукт, есть один аспект, который называется фотографией изобразительного искусства. Также часто называемый художественной фотографией. Он создан в соответствии с видением фотографа и демонстрирует эмоции, личное впечатление и уникальное видение предмета, которым страстно владеет художник. Его стремятся выставить в художественных галереях или повесить у кого-нибудь дома, чтобы его можно было оценить за красоту и считать искусством. Результатом художественной фотографии должна быть немедленная реакция, подавляющее ощущение, вызванное сильным визуальным воздействием.

Путешествие фотографии в изобразительное искусство началось в Соединенных Штатах, где многие журналы начали рекламировать ее как новую форму изобразительного искусства. Несколько известных фотографов стремились показать, что это может быть так же креативно, как и другие виды искусства. Самыми важными из них были Альфред Штиглиц и Эдвард Штайхен, которые сыграли важную роль в превращении фотографии в изобразительное искусство. Штиглиц и его жена, художница Джорджия О’Киф, впервые представили его в музейных собраниях. В 1902 году они образовали ассоциацию творческих фотографов под названием Photo Secession and Camera Work. Журнал, который был ориентиром не только для фотографии, но и для всех видов искусства до 1917 года. Вместе со Стейхен Альфред Штиглиц открыл галерею 291 в Нью-Йорке, где выставлялись произведения искусства и фотографии в равной степени. С тех пор фотография изобразительного искусства начала процветать, и благодаря свободе творчества и художественным экспериментам были созданы замечательные работы. И представлены некоторые из самых громких имен в современном искусстве — Эдвард Уэстон, Ман Рэй, Ансель Адамс, Ирвинг Пенн и многие, многие другие великие фотографы изобразительного искусства. Даже фотографии мастеров в других областях, таких как мода и фотожурналистика, давали некоторые необычные образы, которые перекрывали разные типы фотографии и переносили их из газеты в рамку и на стену.

Как и в любом другом виде искусства, художник принимает во внимание множество элементов, прежде чем создавать произведение. В случае фотографии изобразительного искусства это композиция, фокус, освещение, позы фигур или формы пейзажа, которые синхронизируются, чтобы создать что-то уникальное. Очень часто камера служит просто для захвата, в то время как фотографы изобразительного искусства конструируют изображение в уме, прежде чем смотреть через объектив. Какое бы оборудование или технику ни использовал фотограф, это игнорируется, потому что главная задача — выразить оригинальную идею. Эта идея может быть или не может быть доведена до совершенства в пост-продакшене, который часто используется в художественной фотографии, если не регулярно.

Фотография изобразительного искусства также предоставила новый способ отдать дань уважения искусству других людей. Оригинальный подход к этому вопросу был применен Джеффом Уоллом и его фотографией под названием «Внезапный порыв ветра», сделанной в 1993 году. Она основана на гравюре на дереве японского художника и гравера Кацусика Хокусая «Путешественники, пойманные на внезапном ветру» в Эджири . Мастер постановочной фотографии Уолл в течение пяти месяцев фотографировал актеров в одинаковых погодных условиях, сделав более сотни снимков. Затем он коллировал элементы фотографий в цифровом виде, чтобы получить желаемые позы, выражения и композицию.

Положение художественной фотографии на арт-рынке

Правильное знакомство публики с художественной фотографией в стенах музеев и галерей произошло после Международной выставки «Семья человека», состоящей из 503 фотографий 273 фотографов, собранной Эдвардом Стейхеном в 1955 году. От более тщательно продуманного обрамления (изображения теперь помещались за стеклом) до специфических процессов печати и увеличения размера, он дошел до того момента, когда его больше не было вульгарно выставлять. Он также напечатан на особой тонкой фотобумаге, которая придает ему как физическую, так и метафорическую ценность, превращая его в реальный объект и изменяя его визуальное восприятие.
Даже в наши дни крупные музеи уделяют ему гораздо больше внимания, увеличивая свое присутствие среди коллекционеров и выводя его на рынок искусства. Доверие к современной фотографии растет, заставляя фотографов выпускать ограниченные тиражи высококачественных отпечатков и фотокниг для продажи на государственных и частных аукционах за постепенно увеличивающиеся суммы. Несмотря на то, что высокие продажи идут только от традиционно громких имен, покупатели также ищут молодые таланты, ценность которых, как мы надеемся, со временем возрастет в искусстве ведения бизнеса. И хотя она по-прежнему намного дешевле произведений искусства, принадлежащих другим видам искусства, фотография изобразительного искусства продолжает предлагать блестящие и настоящие шедевры и оставаться бесценным наследием.

Как фотография стала видом искусства?

До изобретения фотографии реалистичные изображения мира могли создавать только опытные художники. В современном мире мы настолько завалены изображениями, что трудно представить, насколько особенным и уникальным должно быть ощущение, когда мы видим хорошо выполненную реалистичную картину. И навыки профессиональных художников неуклонно совершенствовались на протяжении веков; к XIX веку такие художники, как прерафаэлиты и французские неоклассики, достигли в своих работах великолепного визуального реализма.

Технические навыки реализма были неотделимы от других творческих задач при создании изображений. Это изменилось, когда фотография автоматизировала задачу создания изображений реального мира.

В 1839 году были изобретены первые два коммерчески-практических фотографических процесса: дагерротип Луи-Жака-Манде Дагерра и негативно-позитивный процесс Уильяма Генри Фокса Тальбота. В основном они были представлены как способы создания практических записей мира. Из этих двух дагерротип был более популярен в течение нескольких десятилетий, в основном потому, что процесс Талбота был ограничен патентами. Усовершенствования метода Талбота в конечном итоге сделали дагерротип устаревшим и превратились в современные кинопроцессы.

Портретная живопись была основным фактором раннего внедрения фотоаппаратов. Тогда, как и сегодня, людям нравилось хранить фотографии своих друзей, близких и предков. Портретная живопись была доступна только аристократам и очень богатым. В 18 веке было разработано несколько недорогих альтернатив, таких как силуэт, представление контура человека, обычно вырезанного вручную мастером из черной бумаги.

Дагерротип предлагал экономичный способ создания реалистичного портрета. Это было очень медленно и требовало фиксации головы субъекта на месте с помощью подголовника на несколько минут, в то время как субъект крепко держался за стул, чтобы не шевелить пальцами. Тем не менее, многочисленные студии дагерротипов возникли и стали обычным явлением по мере совершенствования технологий, и многие портретисты переключились на эту новую технологию.

В течение нескольких десятилетий фотография в значительной степени вытеснила большинство старых форм портретной живописи, таких как силуэт, и сегодня, похоже, никто особенно не сожалеет об этой потере.

Еще одним ранним использованием дагерротипа было изготовление сувениров для туристов: к 1850 году дагерротипы римских руин полностью заменили офорты и литографии, ранее приобретенные туристами. По мере совершенствования технологий фотография стала незаменимым источником записей для инженерных проектов и исчезающих архитектурных руин, а также для документальных целей, таких как фотографии ужасов американской гражданской войны Мэтью Брэди.

«Является ли фотография искусством?»

Художники и критики много десятилетий обсуждали, является ли фотография искусством. Выявились три основные позиции.

С самого начала художники пренебрегали фотографией и видели в ней угрозу «настоящему искусству». Даже на первых презентациях 1839 года художник-классик Поль Деларош, как сообщается, выпалил: «С сегодняшнего дня живопись мертва!» Два десятилетия спустя поэт Шарль Бодлер написал в обзоре Салона 1859 года:

«Если фотографии позволят дополнять искусство в некоторых его функциях, она скоро вытеснит или полностью испортит его, благодаря глупости множества, которые являются ее естественным союзником».

Второе мнение заключалось в том, что фотография может быть полезна настоящим художникам, например, для справки, но ее не следует рассматривать как равноценную рисованию и живописи. Например, несмотря на его публичное осуждение фотографии, более поздние картины Энгра демонстрируют убедительные доказательства того, что он работал с фотографической референцией.

Наконец, третья группа, связавшая фотографию с устоявшимися формами, такими как офорт и литография, считала, что фотография в конечном итоге может стать таким же значительным видом искусства, как живопись. Эта группа, включая любителей и мастеров, жадно исследовала свой потенциал.

Влияние фотографии на искусство

Фотография в конечном итоге оказала глубокое и неожиданное влияние на живопись. Подражательные способности художников улучшались на протяжении веков.
Многие художники XIX века, такие как прерафаэлиты, такие как Джон Эверетт Милле, и неоклассики, такие как Энгр, рисовали изображения мира с ослепительным реализмом, больше, чем когда-либо видели раньше. Однако камеры стали дешевле, легче и проще в использовании и получили широкое распространение как среди любителей, так и среди профессионалов. К концу 19 века реалистичные фотографии стали обычным явлением. Если фотореализм можно свести к механическому процессу, тогда какова роль художника?

Этот вопрос уводил художников от визуального реализма к различным формам абстракции. Тоналистское движение Джеймса Макнила Уистлера создавало атмосферные, мрачные сцены; он писал: «Подражатель — плохое существо. Если бы человек, который рисует только дерево, цветок или другую поверхность, которую он видит перед собой, был художником, королем художников был бы фотограф. Художник должен делать что-то помимо этого». Импрессионисты, которые стремились запечатлеть восприятие сцен, вероятно, находились под влиянием вызывающих воспоминания «несовершенств» ранних фотографий, таких как Бульвар дю Темпл, показанный выше.

Напротив, символисты и художники-постимпрессионисты полностью отошли от перцептивного реализма. Эдвард Мунк писал: «Я не боюсь фотографии, пока ее нельзя использовать в раю или в аду. Я собираюсь рисовать людей, которые дышат, чувствуют, любят и страдают». Винсент Ван Гог, описывая свои художественные открытия около 1888 года, писал своему брату:

Вы должны смело преувеличивать эффект гармонии или диссонанса, производимого цветами. То же самое и в рисовании — точный рисунок, точный цвет — это, возможно, не главное, к чему нужно стремиться, потому что отражение реальности в зеркале, если бы его можно было поймать, цвет и все такое, не было бы вообще изображением , не более чем фотография.

Другими словами, Мунк, Ван Гог и многие другие художники их поколения рассматривали реализм как работу в фотографии, и цель настоящего художника состояла в том, чтобы найти способ выйти за рамки реализма — сделать то, чего не могут сделать камеры.

В 1920 году, много десятилетий спустя, Андре Бретон, основатель дадаизма и сюрреализма, предварял заявление о дадаизме: «Изобретение фотографии нанесло смертельный удар старым способам выражения, как в живописи, так и в поэзии. Так как слепой инструмент теперь уверял художников в достижении цели, к которой они себя поставили… они теперь стремились… сломить себя от имитации внешнего вида».

На самом деле кажется вероятным, что фотография была одним из главных катализаторов движения современного искусства: ее влияние привело к десятилетиям жизни в мире живописи, поскольку художники были вдохновлены фотографическими изображениями и вышли за рамки реализма. Без фотографии, возможно, не существовало бы современного искусства.

Движения в поддержку фотографии

Тем временем фотографы пытались развивать и пропагандировать свой собственный вид искусства. В Соединенных Штатах эти фотографы называли себя фото-сепаратистами, поскольку они «отделились» от обычаев и традиционных форм искусства. Они утверждали, что значительный контроль художника над созданием изображения для выражения своего видения превратил его в форму искусства.

Движение пикториалистов, начавшееся около 1885 года, преследовало особую визуальную эстетику в создании фотографий как формы искусства. Пикториалисты осуществляли значительный художественный контроль над своими фотографиями. Некоторые использовали высоко поставленные предметы, как в классической живописи, и тщательно манипулировали своими изображениями в темной комнате, чтобы создать очень формальные композиции. Многие из их работ имели туманный атмосферный вид, похожий на тонализм Уистлера, что смягчало реалистичность высококачественной фотографии. Казалось, они намеренно имитируют качества живописи изобразительного искусства того времени, и сегодня большая часть их работ кажется довольно затронутой.

Фотография — это искусство нашего времени.

Старые мастера рисовали драму жизни и смерти. Сегодня фотография отражает человеческое состояние — лучше, чем любая другая художественная среда нашего века.

Фотография — серьезное искусство нашего времени. Это также самый доступный и демократичный способ создания искусства, которое когда-либо было изобретено. Но сначала давайте определимся с фотографией.

Фотография — это изображение, снятое на пленку, бумагу или — чаще всего сейчас — в цифровую память. Фотография также включает в себя движущиеся изображения, снятые на пленку или видео. Движущиеся или неподвижные, мы все знаем, что фотография не является чистой записью визуального мира: ее можно редактировать и преобразовывать бесконечными способами.

Движущееся или неподвижное, и как бы оно ни было снято, с помощью профессиональной камеры или телефона, фотографическое изображение является преемником великого искусства прошлого. Именно в картинах Дона Маккалина или в фильмах Мартина Скорсезе мы видим настоящего старого мастера искусства нашего времени. Почему? Потому что фотография наслаждается человеческой жизнью. Величие искусства заключается в человеческом понимании. Больше всего важны не масляные краски, которые использовал Рембрандт, а его сострадание. Фотография — самый быстрый и точный инструмент, когда-либо изобретенный для записи наших жизней и смертей — художникам 17-го века это понравилось бы.

Вермеер почти наверняка использовал профессиональную камеру для сочинения своих сцен. Хокни считает, что Караваджо и многие другие художники использовали «секретные знания» ранних камер для совершенствования своего почти галлюцинаторного понимания визуального мира.

Однако они сделали это, они нарисовали поток и драму реальной жизни. Великое искусство от рождения до смерти представляет собой последовательность движущихся картин состояния человека.

Сегодня фотография — единственное искусство, которое серьезно поддерживает это внимание к вещам, которые имеют значение. Достаточно взглянуть (как выглядит мир) на невероятные фотографии со всех уголков мира. Здесь человеческое существо, уязвимое и героическое.

Мало что из этого сырого человеческого материала превращает его в чрезмерно утонченный мир современного искусства, и когда это происходит, это часто потому, что фотографические изображения были приняты как искусство. 

Но фотография, которая соответствует критериям художественного мира, — лишь крошечный кусочек художественного богатства камеры. От новостных изображений до телескопа Хаббл фотография — это искусство реальной жизни, каким бы манипулируемым она ни была. А настоящая жизнь создает настоящее искусство.

Что делает снимок хорошим? Есть ли особая техника, которой можно научиться?

 

В феврале прошлого года я осматривал целую галерею победителей конкурса. Одна вещь, которая поразила меня, была то, что я изо всех сил пытался найти изображение, которое не было сильно обработано. Не поймите меня неправильно, там были удивительные изображения, и вполне заслуженно выставленные на всеобщее обозрение. Тем не менее, это заставило меня задуматься о том, что делает изображение хорошим!

Я часто менял мнение о том, что делает фотографию действительно притягательной. Однажды меня начали раздражать сильно манипулируемые изображения, которые в наши дни кажутся яростью многих фотографов. На следующий день я опять их полюбил, обрабатывал и создавал сам!

Например, следующее изображение с недавней свадьбы, которую я снимал, было с самого начала. От идеи, которая возникла у меня, когда мы проезжали мимо сцены по дороге на пляжную съемку. Мы остановились здесь на обратном пути в отель, и я сделал этот снимок. Это означало остановку трафика на 5 минут, и результат был именно таким, как я себе представлял:

На другой свадьбе во время еще одного полуобнаженного сеанса все сломалось во время установки. Я продолжал снимать независимо. В результате я получил один из моих любимых снимков за весь этот день свадьбы. Это на 100% естественно и просто было преобразовано в черно-белый вариант.

Он слегка размытый, немного зернистый и переэкспонированный. Однако в течение дня и ночи мне не удавалось получить более естественный снимок невесты и ее матери вместе. Честно говоря, я думаю, что мог бы сделать, если бы у меня был целый день и ночь!

Это показывает невесту в совершенно естественном состоянии, когда глубоко внутри нервы сеют хаос. На этот момент все забыто. Нервы исчезают, и она действительно такая естественная. Для меня это делает фото хорошим. «Естественность» и эмоциональные аспекты очень простого образа. У меня это напечатано и оформлено для моего офиса.

Примерно через неделю во время отдыха в кемпинге с семьей у нас был вечер исключительного света. Я перетащил своих детей в соседнее поле для нескольких пробных снимков. Через несколько минут все вышло из строя (как это обычно бывает с детьми). Я быстро сделал снимок, прежде чем мои дети перепрыгнули через меня.

Опять же, немного размыто и зернисто. Я только что перешел на черно-белое и добавил виньетку. Еще раз, естественность выиграла в тот день для меня, и это станет еще одним отпечатком на стене моего офиса.

Что делает хорошее фото? Выбор

Иногда я горжусь тем, что принимаю предвзятую идею от ее зарождения до ее завершения, несмотря на то, что она настраивается и обрабатывается в процессе постобработки. С другой стороны, я просто люблю те мимолетные моменты, которые ловятся без всяких попыток. Те, которые вы не ожидали получить, но сделали, потому что вы были с пальцем на пульсе (или затворе) все время.

В конце концов, я мог бы сделать снимок с моделями, освещением, правильными настройками камеры и композицией, чтобы любой мог прийти и снять на любую камеру и получить отличное изображение. Это фотография или я просто создал красивую сцену, которую можно фотографировать?

Люди, которые встают в «глупые часы» и пробегают мили, чтобы получить идеальный свет в нужное время года. Люди, которые делают все возможное, напрасно надеются, что смогут победить! Разве это стоящая фотография?

Так что же делает хороший имидж снимку и кто об этом судит?

Ну, все может сделать образ хорошим, и любой может судить об этом! Видите ли, это все еще и всегда будет зависеть от личных предпочтений. Красота, или оценка искусства в любой форме, в глазах смотрящего. Это, безусловно, имеет место и в фотографии:

Действительно ли имеет значение, как было сделано изображение?

Что делает фотографа хорошим?

Что касается этого знаменитого изображения, с которым я столкнулся еще раз во время моего исследования. Это фото разбудило меня во Вьетнаме. Фотограф Эдди Адамс.

Я смотрел на это изображение снова и снова с тех пор, как много лет назад начал фотографировать и часто изучал его годами. Что происходило в голове у палача или у «ВК»?

Почему это случилось? Что за история?

Адамс сказал, что он просто думал, что подполковник Нгуен Нгок Лоан собирается угрожать ВК, но когда он поднял свой пистолет, Эдди продолжал стрелять независимо, и это изображение фактически показывает точку, где пуля попадает в голову ВК! На пульсе или что, и еще раз, удивительный, заставляющий думать выстрел, сделанный почти «случайно».

Причина, по которой я показываю это, заключается в том, что этот момент был запечатлен съемочными группами, которые показали клип в вечерних новостях. Странно, что за эти годы фотография получила больше освещения, чем фактический видеоклип.

Смысл этой статьи — попытаться научить вас действительно изучать фотографию на другом уровне. Посмотрите на фотографию и спросите себя: «Это фото или предмет, который делает ее хорошей»? Есть много вопросов фотограф:

Сделал усилие?

Удачи вам или просто удачная попытка?

Быть в нужном месте в нужное время?

Всегда быть начеку?

Это красивая модель с идеальной кожей, идеальным макияжем, небрежной улыбкой и глазами, которые касаются души, которая делает снимок. Или это освещение и композиция? Будет ли такой же снимок столь же хорош с «нормальным» человеком? Кто-нибудь мог сделать это?

Интересно, если жизнь (люди или животные) делает фотографию хорошей фотографией, привнося в нее эмоции? Без присутствия фотография принимает немного другой угол. Конечно, мы можем видеть красоту и разрушение в том, что создала и разлучила мать-природа. Мы можем даже видеть ужасы и плоды вмешательства человека, но люди добавляют совершенно новое измерение.

Что делает фотографию великолепной тогда?

Я бы сказал, что это изображение, которое показывает что-то необычное. То, что заставляет нас остановиться и подумать, стать ностальгическим или эмоциональным. То, что не так много людей могут взять или настроить.

В эти дни есть огромное количество обучающих программ и практических рекомендаций. В сочетании с тем фактом, что почти у каждого есть камера с собой большую часть времени и миллионы, если не миллиарды изображений, публикуются в Интернете каждый день, я быстро теряю интерес к хорошей фотографии.

Конечно, специально сделанные, настроенные и тщательно обработанные изображения до сих пор иногда раскачивают мою лодку как искусство. Тем не менее, это все еще естественный, трудно понять, подстегивающий момент, заставляющий думать складывать феноменальные образы, которые действительно останавливают меня в моих поисках. Будь они взяты с Nikon D4s или камерой телефона!

Основные советы для «food» фотографии.

Просматривая социальные сети, вы, вероятно, заметили, что каждый (буквально) публикует несколько фотографий еды, которую они приготовили дома или заказали в ресторане. Скорее всего, вы сделали это хотя бы один раз.

Гальваническое покрытие — это слово, используемое профессиональными поварами, и оно представляет собой не что иное, как расположение блюд на тарелке. И хотя может показаться, что это не важно, на самом деле все наоборот. Исследование показало, что люди более склонны оценивать еду как более вкусную, если им нравится, как она представлена на тарелке. При создании аранжировки вам необходимо:

Выбрать правильную поверхность — независимо от того, какую пищу вы фотографируете. Например, деревянная разделочная доска будет очень хорошо смотреться с такими продуктами, как гамбургеры и картофель фри, в то время как классическая белая тарелка выглядит потрясающе с красочной едой, так как она придает ей более яркий вид.

Постараться сохранить симметрию на тарелке

Думать как художник — вы также можете использовать ложки, вилки, ножи и т. д. и даже соус, чтобы создать какой-то узор — проявить творческий подход

Теперь, когда вы знаете, как правильно расположить еду, давайте перейдем к следующему шагу — освещению.

Хорошее освещение является ключевым элементом в любой фотографии. Оно помогает подчеркнуть цветовой баланс и текстуры того, что фотографируется. Если вы хотите получить наилучшее освещение для фотографий, вам следует запомнить:

Освещение сбоку — для того, чтобы выделить яркие пятна текстур пищи и теней; очень полезно при фотографировании, например, гамбургеров или сэндвичей.

Следите за резкими тенями — они могут сделать еду непривлекательной, поэтому, если вы заметите их на своих фотографиях, попробуйте отрегулировать угол наклона камеры; их также можно избежать, используя более мягкое освещение

Избегайте освещения спереди — это может создать впечатление, что сфотографированная еда безвкусна, так как на фотографии появляются резкие яркие пятна

У вас уже есть свои фотографии, и теперь пришло время для последнего шага — редактирования. Конечно, вы не хотите слишком сильно их править, так как тогда еда на них может выглядеть фальшивой. Однако, если вы используете ретушь в меру, это поможет придать вашим фотографиям профессиональный вид. Некоторые из вещей, которые вы, возможно, захотите сделать, включают в себя:

Повышение резкости изображения — это даст больше четкости снимку.

Исправление баланса белого — в зависимости от того, как вы его отрегулируете, оно может помочь сделать ваше изображение более «холодным» или «теплым»

Отрегулируйте яркость / контрастность — увеличение контрастности изображения придаст ему больше деталей и выявит разнообразие цветов;

Затем насыщенность;- это не более чем интенсивность цветов на вашей фотографии; теплые цвета, как и в случае баланса белого, делают еду более аппетитной

Эти советы могут помочь вам лучше сфотографировать еду, но они не должны мешать вам экспериментировать, так как вы можете обнаружить что-то, что работает лучше для вас. Независимо от того, будете ли вы пользоваться этими советами или нет, единственное, что остается сказать на этом этапе — удачи.

Эксклюзивное интервью с Моникой Деневан.

Моника Деневан — фотограф года, лауреат премии All About Photo Awards 2020 — The Mind Eye. Мои соавторы Элизабет Аведон, Лоран Бахо, Алекс Каммарано, Джулия Дин, Энн Джастраб, Джули Лоу и я были впечатлены ее работой «Через реку, Бирма», которая заняла первое место из тысячи представленных материалов. Ее продолжающаяся серия, «Песни реки: портреты из Бирмы», началась в 2000 году. С тех пор она вернулась во многие из тех же небольших деревень в Бирме / Мьянме, делая интимные фотографии рыбаков и их семей в свободной и графической обстановке. Она путешествует с пленочной камерой среднего формата, одним объективом и пакетами с пленкой, работает с естественным освещением и создает составные изображения. Однажды дома она делает фотографические принты в своей традиционной темной комнате. Я задал ей несколько вопросов о ее жизни и работе.

Расскажите о своем первом знакомстве с фотографией. Что привлекло тебя в этот мир?

Моника Деневан: В средней школе я позаимствовала у моей мамы камеру Kodak Instamatic, чтобы фотографировать своих друзей в лагере Мазер.

Где ты изучала фотографию?

Я взяла свой первый урок фотографии в Средней школе Милосердия, где я впервые испытала работу в темной комнате. Я изучала фотографию в государственном университете Сан-Франциско и там обнаружила, насколько мне нравится интерактивный процесс создания портретов.

Ты помнишь свой первый снимок? Что это было?

Я помню свой последний выпуск после короткого однонедельного урока фотографии в старшей школе. Это было изображение канатной дороги. В то время я не знала, насколько это было неинтересно и плохо напечатано.

У вас есть наставник или образец для подражания?

Однако, не совсем так, на протяжении многих лет на меня оказывали влияние, помогали, поддерживали, давали советы и ободряли многие замечательные люди.

Какой был лучший совет, который вам дали в начале?

Продолжай практиковаться.

Что касается вашей темы о Бирме, не могли бы вы рассказать нам, почему / как вы решили освещать эту тему?

Я проводила время с семьями рыбаков и хотела их сфотографировать. Сначала я была довольна фотографиями, которые я сделала, но знала, что они могут быть лучше, поэтому вернулась.

Какие трудности вам пришлось преодолеть в Бирме?

Быть неспособным говорить на языке всегда сложно, но у меня обычно есть переводчик. Кроме того, путешествия иногда включают в себя тошноту и потерю дней, когда я хотела бы фотографироваться, а не застревать в отеле.

Ты путешествуешь одна?

Хотя я предпочитаю путешествовать в одиночку, меня несколько раз сопровождали родственники.

Как вы готовитесь к поездкам?

Я делаю много списков. Редко я предусматриваю свои изображения. Я обнаружила, что это может быть разочаровывающим, и предпочла бы работать более спонтанно, когда я нахожусь в стране.

Чего ты надеешься достичь?

Я надеюсь, что смогу продолжать делать фотографии, путешествовать и печатать в своей темной комнате.

Что вдохновляет вас?

Меня вдохновляют люди, которых я фотографирую. Через много лет это все еще приключение.

Какое оборудование вы используете?

Я использую камеру среднего формата Bronica, один объектив и пленку Ilford Delta 400.

Вы тратите много времени на редактирование своей работы?

Да. Я провожу много времени, просматривая свои контактные листы и принимая решения о том, какие негативы печатать. Не каждый негатив хорошо переводится при увеличении, поэтому редактирование продолжается.

Лучшие восходящие фотографы апреля 2020 года.

Вот подборка из нескольких портфолио на апрель 2020 года от начинающих фотографов, на которых стоит обратить внимание. Надеемся, вам понравится эта коллекция.pastedGraphic.png

pastedGraphic.pngАлиреза Мемариани

Выпускник факультета промышленного дизайна Художественного колледжа 2009 года. Он является современным иранским фотографом и документалистом, живущим и работающим в Тегеране. На его работу влияет бедность, которая существует в иранских обществах. Большая часть его работ пришла из реальной жизни этих людей. Кинотеатры, шахтеры, сушилки для рыб и … Основа работы Алирезы реальна. Он живет и работает на острове Ормуз с 2014 года. Ормуз — это остров в Персидском заливе на юге Ирана. Это один из обездоленных районов. Результатом его жизни на острове Гормоз является коллекция инсценированных фотографий, выставленных в различных галереях Тегерана. Фотографии обычно символизируют новые условия, в которых он живет.

pastedGraphic.pngВалери Лейни

Валери Элизабет Лейни родилась в солнечном Сан-Диего, штат Калифорния, и выросла в сельской Северной Каролине, где она проводила бесконечное лето, ловя головастиков, гоняясь за светлячками и исследуя окружающие леса, ручьи и табачные поля. Взросление в природе и вокруг нее вдохновило ее расправить крылья, и она провела годы, исследуя и фотографируя нашу удивительную планету. Валери получила степень в области визуального дизайна в Университете штата Северная Каролина. Колледж дизайна, который, в сочетании с карьерой графического дизайнера, повышает ее навыки в композиции, а также рассказывает визуальные истории. Фотография была естественным результатом ее любви к природе и ее мастерства в качестве художника; и это стало ее страстью, чтобы захватить изображения уникальных мест, разнообразных пейзажей и захватывающих культур. Любовь к приключениям отправляет ее в фотоэкспедиции в такие места, как Исландия, Мадагаскар и степи Монголии, где на ее фотографиях запечатлены величественные пейзажи, местные культуры, дикая природа и подводная морская жизнь. Валери любит делиться своей фотографией и надеется, что она вдохновляет на мечты, путешествия и воспоминания для ее растущей аудитории.

pastedGraphic.pngАрно Монтэгард

Арно Монтэгард — французский фотограф, в настоящее время он проживает в Бруклине, Нью-Йорк. Его фотография фокусируется на композиции и деталях, создавая атмосферу, которая часто упоминается в работах американских художников-реалистов. С акцентом на минималистскую эстетику его работа создает новый угол к перспективе обычных деталей.

Фрэнк Линч

Я вырос в Дублине, Ирландия, где изучал графический дизайн. Прожив много лет в Германии и Израиле, я теперь провожу время в Ирландии, Японии и Швейцарии. Я люблю путешествовать по проторенной дороге, фотографировать людей, которых встречаю по пути. Я считаю, что взаимодействие между фотографом и объектом очень полезно. Я обнаружил, что камера помогает разрушить барьеры, которые обычно существуют между людьми, которые, по сути, совершенно незнакомы. Я не люблю планировать вещи. Я предпочитаю открывать места, гулять и смотреть, что происходит.

pastedGraphic.pngpastedGraphic.pngЯнне Коркко

Фотография значит для меня больше: это так же важно, как дышать и жить. Я перешел на документальную съемку 10 лет назад. Образ всегда был важной формой повествования, но я хотел, чтобы он продемонстрировал прикосновение жизни и человечности, которые определяют мои идеи. Социально важные и сложные темы, которые доступны, заставляют меня работать. Я чувствую, что у меня есть миссия. Я горд и смирен, а также благодарен. То, что коснулось меня, коснулось их тоже. Это истории, взаимодействие с людьми, которые развились на глазах.

Уже сегодня у нас доступа Фуд съемка в Москве

Совсем недавно я решил в своей студии открыть еще одну фотоуслугу – это фуд съемка в Москве. Не только умею готовить, но и прекрасно фотографировать еду. Мое творческое образование, профессионализм и опыт поможет вам создать самые оригинальные, красочные и грамотные композиции из еды. Читать далее